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旅行吉他的音色

时间: 乐平2 旅行吉他教程

  我们今天的旅行吉他教程,来探讨一下旅行吉他的音色方面的问题。

  旅行吉他的音色

  一、音色的概念

  一个声音的音色,在物理上是由它的泛音来决定的,泛音的多寡,决定着这个声音的特性,同样是C音,我们可以分辨出这是吉他的声音,那是小号的声音,而这是钢琴的声音等等…..

  用物理的角度去解释音色,显得很冷、僵硬,如果从音乐的角度,那音色就会被赋予不同的意义和修辞,比如透明的、干净的、亮丽的、有穿透力的、尖锐的、沉闷的…..,似乎音色就像是画家的颜料,经由音乐家的挥洒,音色也具有了个性。

  对于画家来说,很难回答那种颜色是好的还是坏的,合理的解释是什么样的颜色适合什么样的题材,画一朵向日葵,正常来说当然是用鲜艳的颜色,除非画家的心境郁闷,这朵美丽的花在他看来是灰色的。可是对于学音乐的人来说,时常会讨论音色的优劣问题,这也是事实,因为不当的弹奏方式或者制作粗糙的乐器,会使演奏出来的声音难以入耳。 可是假设当以上两个问题都获得解决时,那么音色对于学音乐的人来说,还有更多的意义吗?

  有的,在音乐中,音色需要对比和个性,个性的问题容后再述。 大多数音乐作品在完成时,作曲家应该已经预想到整体的形象,包括乐器的配制,和声的运用及结构的松紧等等,剩下的就看演奏者如何诠释,就像漫画家把漫画的线条画好,接下来就是上色和色彩浓淡的运用了;一个演奏者要掌握不同的“发声法”,拥有即使弹同一个音符也能弹出各种色彩的能力,音乐的色彩是看不到的,全凭听觉上的感觉,明亮或阴暗,饱满或松散,圆润或尖锐,这是手指的训练,也是耳朵的训练,学声乐的人无法看到身体内部的器官,只能由老师的引导和自我的判断,逐渐掌握发声的窍门,对于学器乐的人来说,能看到肢体的动作是如何在影响着声音,已经是非常幸运的,可是也因为如此,我们时常会忽略了对耳朵的锻炼,反而吹毛求疵的去要求肢体上的动作。 所以在学习掌握良好的弹奏方式时,同时也应该开发自身的耳朵,也就是听觉上的分辨能力,在演奏音乐时能表现出缤纷多样的音色,让音乐生动起来,当然,干净的声音是首先必须学会的,虽然有些现代音乐并不要求完全干净的声音。

  耳朵的训练也包括多听,听各种乐器,包括人声的音乐,听各个时代不同的音乐风格,听各种编制的乐器组合以后的效果,听各个地区不同民族的音乐,让脑海中留下印象,当我们抱起手中的吉他时,开始发挥想像力,弹塔雷加的《茶花女主题幻想曲》时,想像手中的吉他是位声乐家,歌唱优美的旋律;弹巴赫的《小步舞曲》时,想像手中的吉他是部大键琴,有着金属般清新的音响;弹朱里亚尼的《大序曲》时,想像手中的吉他是一组管弦乐团,有着各种乐器的丰富色彩….. 这是学习音乐很重要的一部分,当我们把所谓的“技巧”都掌握了以后,回过头来才发现这部分的学习太少了,对于喜欢吉他喜欢音乐的人而言,弹琴和听音乐都应该成为生活的一部分,而且拥有同样的比重。

  二、在吉他上的应用

  音色在吉他上的应用问题,首先是硬体部分,按理来说影响吉他音色的主要因素应该是乐器本身和使用的琴弦,这是“先天性”的因素,同一个人弹不同的琴,我们可以分辨出每把琴的区别,可是同一把琴给不同的人弹,也会有不同的感觉,就像Matthias Dammann制作的吉他,给Manuel Barrueco和David Russell使用,出来的声音竟是南辕北辙!曾经有一位小提琴家在同一场音乐会中使用了好几把小提琴,理由是每把琴的音色不同,适合的音乐风格也不同,我想除非是职业演奏家或是乐器收藏家,否则很难有此待遇吧,所以这里先把硬体部分的影响因素排除,来谈谈演奏方式对于音色的影响,右手的触弦时常被视为最关键的部分,有很多讨论触弦法的好文章,已经深入地对此分析过了,但我觉得这些文字性的分析,适合已经有一定基础的学习者,不适合初学者。所谓有一定的基础,是指己经能够将听觉和肢体配合在一起,听觉上要求的声音,能够透过肢体的反应表达出来,如果不行,也能透过文字的叙述和观察自身的动作,找到想要的声音,这表示耳朵已经有了明确的仲裁权。对于初学者,我认为直接找老师求教才是最好的方法。

  除了右手的触弦,左手的按弦也是影响音色的重要关键,称为“运指法”,也就是把位的安排,当然,想要有干净的音色,首先得把弦按紧,如何施力,方法很重要。我不太喜欢用“按紧”这个词,理想的按弦状态应该是place (放置),而不是push(施压),按弦需要的力气是以能够弹出声音的前提下,所需的最小力气,只要声音能够清楚的发出来,左手再用更多的力气去按弦,就是浪费力气,结果会导致手指手腕僵硬,影响移动的效率。

  而“运指法”所牵涉的范围更接近表达音乐的内容,同一个音在不同的把位弹出,效果不同,如何设计把位和指法,时常困扰着演奏者,因为有些把位上的设计虽然难弹,但这是基于音乐上的需要,再难也得克服,有时谱面上的把位设计是刻意的卖弄舞台效果(造成手指上下飞跃的奇观),其实可以适当的简化。

  从塔雷加(1852~1909)开始到之后的吉他音乐,乐谱上通常都已标明重要的左手指法,包括把位。因为自从制琴家Antonio de Torres (1817~1892)将吉他的有效弦长定为65公分后,吉他的外形才定案,Torres制作的吉他也成为现代吉他的制作典范。换句话说,在Torres之前的吉他外形是五花八门,用现代的吉他去弹奏那时的吉他音乐,会遇到很多指法上的问题,有些在当时的吉他上很好弹的指法,对于体积更大的现代吉他来说,手指需要更多的扩张,而再往前推,就会推到甚至“吉他”都还没出现的时代,现在的所谓文艺复兴或巴洛克时期的吉他名曲,其实都是改编曲,既是改编,就存在“版本”的问题,优秀的改编版本,演奏出来的效果会比较忠实于当时的音乐风格,不至于添加一些奇怪的和声或声部。 对于演奏者而言,此时的作品谱面上比较干净,还留有很大的空间,考验着演奏者的深度,要求演奏者深入的分析并决定运指法。

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